中国绘画艺术论文

中国绘画艺术论文（精选15篇）

1.中国绘画艺术论文 篇一

中国绘画艺术欣赏心得

这学期有幸聆听“中国古代绘画艺术欣赏”，是我对绘画的理解从原始社会开始走过秦汉魏晋直至明清都有了系统的学习。从形形色色的雕刻到惟妙惟肖的各类图画，是我体会到了中国绘画的风格与内涵。

绘画可以说是人类文明的开始，在原始社会时期文字还未出现，但是人类已经开始用画来记录自己的所得所获了。虽然最初的线条很僵硬很晦涩，但是对现实事物的一种形象的描述了，以至于后来发明的文字也是与实物可以对应的。可以说文明的开始是人类对绘画的开始，也可以说人类对美好事物的追求成就了文明的发展。这个可以从各种生活的器具上的图纹看出，随着人类的发展，从石器时代走入了青铜时代，伴着陶瓷的发明是人类的生活质量得以进步，物质的发展往往与精神的进步相携而行，青铜器上的雕刻花纹，陶瓷上的印花等等都代表当时人类的精神追求，在落后的时代，人类的现实生活收到限制，但是，想象力的丰富是这个时代的绘画作品充满了神奇色彩，这也象征着人类对美好世界的向往，比如飞天，比如龙凤呈祥。

慢慢的简单的平面图已经满足不了人类对美的表达就出现了各种浮雕、雕刻等艺术形式，将印在平面的东西立体起来。兵马俑可以是我们对古代的雕刻有个很好的认识。人类在想象力的飞翔的时候也没忘欣赏周围的美好，丹青、朱砂、墨水简简单单的颜色中描绘了一幅幅缤纷的风景画人物画：对大山巍峨连绵的敬仰，对松柏山竹的欣赏，对流水人家的眷恋，对湖波河流的涟漪，对飞鸟虫鱼的喜爱等等。寥寥几笔，简单几色就可以勾勒出一份意境。说到意境，中国人很是注重的，比如宴请亲朋好友会置办赏花宴，所以在绘画中也可以很明显的感到这一点。

不仅是色彩的调和，古人对形象迥异也是很注重的，兵马俑中每个士兵都不一样，从发饰、脸型、服饰、配饰等都有区别，还比如《出行图》中各个马匹的高低胖瘦，毛的疏密都不一样。就算是一排树也会有不一样的树干树叶等。千万片树叶中无一相同，使绘画的更加丰富，表达的意境更加真实。同时，同事物表现不一样的姿态形象也就体现了绘画功底的高低。绘画大家们的笔下的各个事物形象很是鲜明。

中国人对于圆形很是热爱，圆象征着团圆圆满，寄予了一种对生活美满的一种期望，对亲人团聚和美的一种愿望，所以，中国很多作品的的外形是圆形的。同时，文人的傲骨对方形很是喜欢，方形代表着公正刚正坚强，所以，鼎的设计等都是方形为主。这样的思想在绘画的线条上也是有一定体现，圆润的线条体现了柔和，刚劲有力的体现了巍峨。

中国的美术，无论建筑、雕刻、绘画、工艺，创作上固各有伟大的贡献，理论上更是发世界所未发。东晋有顾恺之的《论画》，南齐的谢赫的《六法论》。当第四五世纪，即有如此完善的绘画理论，可说是惊人的成功。如顾恺之说的：“凡画人最难次山水，次狗马，台榭一完器耳，难成而易好，不待迁想妙得也。”王微说：“目有所极，故所见不周；于是乎以一管之笔，拟太虚之体；以判躯之状，画寸眸之明”是何等的透彻合理呵！本来美术不像科学，不一定读熟了理论才去制作，也不一定有理论便有作品。但是世界美术史家们，常常贬人而誉已。我以为这些精湛的论著，是值得特笔大书，任他们存着怎样的偏见，也绝不能稍稍摇动。

对于外国的绚丽的油画，简单的素描，中国充满墨香的国画却是从另外一方面对事物进行了阐述。外国的印象派强调光和影的协调，注重色彩的对比，强调视觉的真实，却忽略了对象本身所表达的意境，他们喜欢画太阳就是一轮太阳，画瓶子就是光影下瓶子的真实反映。而中国的绘画不仅是画食物本身，更重要是表达一种思想。他们的绘画，是“色彩”和“面”的结合；中国的绘画是“线条”和“点”的交响乐。过惯了都市文明的他们，现在也需要枯淡清冲的刺激，在绘画上，已有相当的证明。不过以欣赏的趣味或能力如何，所以有的欢喜唐宋的谨严，有的欢喜元人的淡逸。

中华民族美术的进展，恰像一条弯弯曲曲的线，这条线，随美术的部门而曲折不同，同时随民族意识的强弱而曲折不同。我们要推究它曲折的痕迹，推究何以盛何以衰的原因，做今后民族美术建设的参考。美术是一面社会的镜子，它的发生，成长，或是灭亡，都有它背后的一切做主人，使它不得不顺着而同一步骤，同一进退。前面说过，中国美术发达最早的是工艺，如玉器、铜器等，在三代已有精致的作品。因为朝廷设了玉府，召了许多琢玉的人从事研究制作，铜器也定有制度，形式大小等等，都有一定的标准。在这统一的机构指导之下，所以呈露当时代工艺极盛的时期。以后秦汉承继三代有组织的宏规，遂蔚成中华民族独立的伟大的美丽轮廓，造型的样式上，也愈见复杂，一一合于生活的需要了。绘画也可以用此种在统一下始得发展的方式来证明它的盛衰。绘画上黄金时代的唐宋，在唐有玄宗的好艺，育成吴道子李思训阎氏兄弟（立德立本）许多凌铄古今的大画家，山水画之勃兴，佛像画之转变，这不都是玄宗的功劳么？宋代更是值得我们崇仰，徽宗皇帝，他不但扩充翰林图画院的机构，并且高等官吏都要考一考绘画，当时的文臣武臣，有几个不能伸纸挥洒的呢？基于这种原因，一直到南宋中期的绘画，人材之多，发达之速，元明清固然不能及，即两晋六朝又哪能相提并论？其次雕刻，隋唐佛教造像之盛，梁武帝的优崇佛寺，是我们不能忘记的。至于最近的清代康雍乾三朝，不是朝廷的奖进，那中国美术史可以划明代为最后的一个阶段。现在我们所资为最丰富最可靠的美术参考资料，大部分是这三朝的成绩。

中国的绘画之所以是一门博大精深的艺术，就寓意着它丰富的内容，独特的韵味，在现代照片四处可以留下的时候，反而是一张国画更能体现身临其境的心情。画是艺术，同时也是对美好的追求。

中国绘画艺术欣赏

胡炳浩

2.中国绘画艺术论文 篇二

然而, 水彩绘画艺术如何以更新的表现力去反映新时代精神的面貌和顺应我们现代审美的需求是值得考虑的一个问题。作为一个专业研究水彩绘画的艺术学者, 如何很好地发现自我、把握自我以及突破自我, 并将自己的创作研究放在一个合适的高度上, 是需要认真深思的问题, 同时也是所有研究中国水彩画的艺术家在研究创作中面临和急待解决的问题。因为它将直接影响着中国水彩绘画艺术在今后的发展。

其实, 无论是艺术还是其他学问, 回顾与传承的过程是每个作学问的人必然要思考和经历的。作为一个艺术家来说更是毋庸质疑的。然而, 往往由于艺术发展空间的无限量性, 许许多多的艺术家不由自主地陷入了某中盲目状态, 找不到自己创作所要表达的脉搏。将追求艺术的过程当作盲目描摹、死搬硬套的表现手段去追求, 把绘画技法当作艺术的全部。过于追求模仿他人的技法风格, 是很难从自己的画面中读出从容的心态和自由的表现的, 这样的创作作品的精神是空洞的。笔者认为, 学习应该是一个借鉴别人的成功经验进行欣赏、学习、研究、批评、吸收的过程。它是可以用来帮助每一个学艺者的必经之途。它与简单地拿来使用和单纯的描摹完全是两回事。大师凡高曾说过:“盲目地学习别人的结果, 往往是自己的缺点再加上别人的缺点。”他曾深入地对日本浮世绘进行临摹和研究, 但他吸收的是其平面的装饰效果。短而颤抖的笔触, 燃烧的色彩才是他表达自己内心世界的主要途径。所以前人成功的经验, 不得不让我们深思。

近年来, 在一些艺术论坛中看到越来越多的艺术爱好者纷纷发帖, 留言指出不赞同水彩画只停留在艺术的表面之说, 以某种风格形态笼统地概括一个艺术门类是片面的。其实艺术成就的高与低不在于素材的类别, 而是在于其艺术修养的广狭的优劣。卓越的表现方法和角度的差异, 其实想要深入的让大多数人改变眼里的“水彩只能停留在艺术表面”这一片面观念的话, 需要从大的文化导向上给予引导, 将水彩艺术的创新整整扎根于本土文化和民族文化中。在这个过程中, 这必然会面临一个很现实的问题, 那就是中国水彩绘画艺术在吸收外来文化的同时要面临创新, 简单的说就是继承与发展问题。这就不仅仅是在上面提到的借鉴和反思这一简单的过程。这需要先将水彩画独有的技法和表现语言研究透彻, 然后再到艺术品味, 最后到民族自信问题上。

我们作为专业研究水彩绘画的艺术学者应该深深的把自己的根植入丰满的现实生活中去, 在生活中发现美, 感受美, 让水彩画特有的表现语言去创造美, 让每一个欣赏者的精神世界得到一种自然释放, 品位得到升华。如果每一位创作者都能够以这样的态度去研究水彩画, 我想不仅让大家改变了水彩画只停留在艺术表面的看法, 还让我们每一个创作者和欣赏者都为之振奋!

从近几年看来, 不论是国内还是国外, 水彩绘画艺术已呈现多元化的局面, 社会的发展打破了许多旧的观念。首先是在材料工具上, 得到了较为全面的改善。画纸方面, 市场上出现了进口的大幅手工卷型水彩用纸, 大大的满足了创作者对画幅尺寸的要求。而且由于是手工纸, 其纸质吸水性强, 收缩性好。画笔方面也是国内国外的, 羊毛狼毫的, 层出不穷。最后还由于考虑水彩画颜料留白比较困难, 颜料比较透明, 出现了质量较好的留白胶和水彩媒介剂等等……

这些新型水彩材料的出现为水彩绘画艺术的发展提供了无限宽广的创作空间, 使水彩回家的表现力得到了很大的提高。这也使水彩绘画艺术与其他绘画艺术的界线越来越模糊, 慢慢的祛除了人们心目中“小品画种”的印象。

又提到“小品画种”的问题时, 在这里还是值得小议的。所谓“小品”原本是一种文体名, 即随笔, 杂感等短小文章的通称, 是一种文体风格和样式, 在绘画艺术中也有“小品”这样的称法和风格样式。在前几年, 一提到“小品画种”这几个字眼时, 大家不禁会想到水彩。其实用油画, 国画和版画来画“小品”一直也很普遍, 但是人们没有因此而称油画、国画是小品, 却总认为水彩是“小品画种”“只能画点小品”之类的。这分明是一种偏见, 我国水彩画位能像其它大画种那样得到应有的发展和应有的艺术地位, 很大部分原因是人们的思想一直被众多而又片面的保守观念所束缚着, 禁锢着, 再好的水彩画, 也只能被沦落为不够档次的“小画种”。“小品论”制约了人们在水彩艺术上的实践活动。

水彩绘画“小品论”的产生, 原因有几点:

一、有些人认为水彩画是外来画种, 舶来品, 其艺术史和艺术成就自就不会太高。其实这种观念是片面的, 因为有些人对水彩画的概念认识不清, 将水彩画定格为西洋或者英国殊有的专利性画种。在当时的历史环境下, 人们认为这是一种新画种, 大家都只顾去研究其画种的技法, 照搬西方的一切, 包括观念。忽视了艺术间的相通性, 忘记了绘画艺术之间是可相互借鉴相互学习的。忘记了我们中国传统水墨画里的没骨画法, 泼彩画法等。

二、因为人们刚刚开始接触这种以水调释的西洋画时, 觉得它的表现方式新颖, 而且跟油画相比相对比较快捷, 材料轻便, 也比较容易上手。不少人把它当作收集素材的方式, 每一幅作品没有一个很完整的制作过程, 户外的作业的尺寸也是比较小的, 久而久之也被部分人定义成了“小品画种”。

三、就是艺术的表现力问题, 说到底就是艺术的语言问题, 艺术语言只有经过千锤百炼方具表现力, 一谈到绘画艺术的语言时, 多指的是点、线、面和色彩的造型问题。而画家的造型能力和艺术素养是其中最重要的因素, 这两方面的是现代水彩画家普遍存在的。有很多人认为“水彩的局限性太小了…”或者说“水彩的表现力太差了…”是这样吗?我不认为这是跟水彩绘画的材料有很大关系。水彩颜料的透明、流动性有一定联系, 在创作时不能够很理智的把握, 但如果就因为这一点来说水彩的表现力很差的话, 那也是很片面的。我认为更主要的是造型能力以及自己艺术素养还未跟上档次。很多很好的表现题材, 往往被表现得苍白无力, 毫无生气。所以, 我们要想提高水彩创作水平, 当务之急是培养过硬的基本功以及敏锐的洞察力。

我相信只要能够做好以上几点, 水彩画“小品论”的“帽子”在大家的心目中自然也就消失了。不过在近几年的水彩展览中来看, 光靠扎实的造型能力来表现水彩画是不够的, 水彩画中还有一种特殊的艺术形式——肌理, 是值得大家去研究探索的。水彩是由于以水为调色媒介, 具有流动性和多变性的特点, 色和纸的作用、色与色的左右、色与水的作用等等都能形成各种各样的肌理形态。肌理是显示物体表象特征的一种特殊的存在形式, 肌理的运用丰富了水彩画艺术的表现力和趣味性。理性的扎实基础加上感性的表现技法, 这样一来水彩画才能表现得得心应手。

事实上, 用水彩画来表现什么内容、什么题材, 以什么风格去画等都是由画家的思想意识以及表现能力综合素质决定的而不是画种本身。水彩画不是不能画大题材的鸿篇巨幅, 而是有些人不愿意正视水彩画特有的表现方式, 接受它的高难度的挑战, 总满足于画小品性的作品, 以业余作画的态度方式去对待水彩, 这样是不利于水彩绘画艺术发展的。如果人们能够彻底的走出这种低浅思想的误区, 相信水彩绘画艺术再也不是从前那种样子。

随着时代的进步, 文化艺术的繁荣和人们生活观念的浪漫化发展, 水彩画领域不断扩展, 水彩画既可作为一种快界表达思想情感的手段, 又可作为提高自己品位, 丰富自己精神世界的微量物质, 相信水彩画艺术会很快的在人们心目中占据重要位置。我们从事水彩创作的艺术者也要积极介入重大题材, 包括历史、风俗画等。努力提高创作品位, 扩充作品容量和规模, 增加作品的社会影响力, 使水彩绘画艺术得到多元化的发展。

总之, 我们既要保持水彩画已有的成果, 又要大胆创新, 真正做到取长补短, 为水彩画的发展努力贡献自己一份力量, 使水彩画艺术立于不败之地。

参考文献

[1]袁振藻编著的《中国水彩画史》

[2]蒋振立主编《中国水彩》杂志第7.15期

[3]广州美院学报《美术学报》杂志2004年第4期

[4]周刚编著的《水彩画研究》

[5]卡斯顿, 海雷斯编著, 李心田翻译《现代艺术的美学奥蕴》

[6]鲍母嘉藤编著, 王旭晓翻译《美学》

3.中国绘画艺术论文 篇三

从明朝到清朝的这一段时间，有许多欧洲的传教仁来到中国。他们同时也带来了西方的绘画观念和技法。当时正是公元16， 17世纪，欧洲经过“文艺复兴”运动，绘画上格外重视“透视学”。 那就是用比较科学的方法来计算画中景物的比例，使画面看起来像真的一样，他们也很重视 “写生”，画起人物来，不但肌肉、骨骼都要研究，还要画出人物脸上的阴影，使人物看起来有立体感。这种画法，和中国明清时代的水墨画完全不同，很多好奇的中国画家，就开始学习西洋画了。

关键词：中国；明清时期；绘画艺术

一、明末清初西风东渐

有一幅明朝大画家沈周的画像，就很有写生的味道，连脸上的老人斑都画了出来。这和文人画的“写意”风格是不相合的。这充分体现了当时中国传统绘画风格已然受到了西方的影响。明朝的人物画家，最重视写实的是曾鲸，他替许多当时的人画过像。例如《张卿子像》，就是用工整写实的方法来画肖像，像现代的摄影。这很可能就是受到外来画凤的影响。民间一些无名画家替当时官吏画的像，采用阴影的方法来处理人物面部的肌肉，并且很注意刻画细微的眼神和表情。这都可以看出是受到西方绘画的影响。

在西方绘画进入中国的这一段时间，最具有代表性的画家，要算是乾隆皇帝的宫廷画师郎世宁。郎世宁是意大利人，康熙时期就来到中国。他是传教上，可是在来中国传教之前，就已经有很好的西方绘画训练。他到中国以后，很自然地就用中国画画的材料来画画，也很自然地把他在西方学习绘画的方法都用进去了。他画的画，颜色很鲜艳；对动物、植物的描写，都是西方科学训练下的写实方法，尤其重视透视和写生。[1]乾隆皇帝很喜欢他的画。他后半生就住在宫廷里，替乾隆皇帝画了很多像，也替皇帝的“骏马”、“狗”，以及宫廷里的鸟类、花卉，画了许多非常写实的画。当时的中国画家，有些人对郎世宁的画很好奇，也跟他学画。但是，也有些画家很排斥郎世宁，认为他画的不是中国画。现在我们画的水彩、油画，也都是西方的绘画。现在，世界各民族的来往，已经越来越密切。我们除了要正确认识中国的绘画传统之外，也应该吸收其他民族绘画的长处。郎世宁是最早用中国的材料、工具来画画的西洋画家。他突破了很多困难，把这两种不同的绘画融合在一起。现在，我们有很好的机会，可以尝试把中国的绘画技巧和西洋的绘画技巧结合在一起。

二、清朝中期

清朝中期的时候，由于工商业发达，有很多城市变得格外富裕、繁荣。扬州就是其中的一个。[2]扬州城的居民当中，最有钱的一群是卖盐发财的商人。他们的财富，使扬州成为一个富庶的商业城市。有钱的盐商，除了盖大房子，营造花园；还要找画家替他们画画、写字，并且挂起来装饰墙壁。因此，有一些画家，为了卖画，都集中到扬州城里。扬州城里这些有钱的商人，喜欢活泼、有生命力的画。因此，画家也受到这种自由活泼风气的感染，创造了许多新的绘画。这些画家，因为不用当时流行的方式来画画，也不模仿古人的画法，常常使一般人觉得奇怪。他们又都生活自由，行为不受拘束，因此一般人就称他们为“扬州八怪”。

有些人认为“扬州八怪”是八个画家。其实，不一定是八个。他们是一群聚集在扬州的画家，共同形成了一个画派，所以也许把它叫做“扬州画派”更为合适罢。

扬州画派中最有名的是金农和郑板桥。郑板桥曾经做过官，后来觉得做官不如做画家舒服，所以宁愿在扬州以卖画为生，过自由自在的生活。金农的书法很有名。他的字好像刀子刻出来的一样，是学北魏的石刻字学出来的。

金农好像没有学过哪一家的画。他用写字的方法来画画，画出了非常天真朴拙的人物、风景，好像小孩子画的画。金农的画受到民间年画或版画的影响很大。年画是中国人以前过年时贴在家里的木刻版画，颜色很艳丽，造型也很大胆。金农的画受到这种影响，已经完全不像宋元的文人画了。他用的颜色很多，看起来也十分可爱话泼，充满了喜乐的气氛。他尤其喜欢把民间流行歌的歌词写在画上，当作题画诗。他画了很多江南的风景。他画穿红裙的女孩驾着小舟采菱角，也画开满荷花的池塘，都很有民间生活的趣味。

郑板桥在山东做过县官，可是个性很强，看不惯一般官吏的生活态度，就辞官到扬州去卖画了。郑板桥出身农村，对中国穷苦的老百姓十分同情。他的文章和诗文，常常表现这种思想。郑板桥勇于创新。他写的字，主要是从汉代的隶书变化出来的。隶书古称“八分”，可是郑板桥称呼自己的书法是“六分半书”。[3]他又用写字的方法画兰花和竹子。兰花、竹子是古代传统的绘画题材，可是经过他在画上用很新奇的方法题诗之后，好像这些兰花、竹子都有了特别的意义。他把书法、诗、绘画，完全融合在一起，甚至把书法题在画面中央。这些都是很有突破性的创造。

金农的一个学生罗聘，继承了金农天真朴拙的风格。罗聘画的人物特别有趣，在造型上也很受陈洪缓的影响。罗聘特别喜欢画鬼，在可爱有趣的风格中，寄托了一些讽刺的意味。扬州画家基本上继承的是明代城市市民绘画的传统，所以人物画、花卉画特别多，趣味的表现也比较自由，顏色都很鲜明，有活泼积极的入世精神。这些特征，在扬州其他几位画家的身上也都可以看得见。这些画家包括李蝉、黄慎等人。

参考文献：

[1]潘天寿，中国绘画史，北京：团结出版社，2006

[2]洪再新，中国美术史，北京：中国美术学院出版社，2000

[3]梁启超，中国近三百年学术史，东方出版社，1996

4.绘画艺术作文汇总 篇四

在平凡的学习、工作、生活中，大家都有写作文的经历，对作文很是熟悉吧，作文是经过人的思想考虑和语言组织，通过文字来表达一个主题意义的记叙方法。你写作文时总是无从下笔？以下是小编收集整理的绘画艺术作文7篇，欢迎阅读，希望大家能够喜欢。

绘画艺术作文 篇1

愉快的寒假过去了。假期里有很多高兴的事情，使我永远忘不了的是我和哥哥举办小画展.那是一个星期六的下午，哥哥写完作业后，觉得没有什么事干。哥哥皱着眉头说： “干点什么事好呢?”我想了一会几，说“哎，哥哥，咱们画几幅画，举办一个小画展吧!”哥哥高兴地说： “好主意，就从今天开始吧!”

笔、墨、纸、砚都准备好了。哥哥拿起笔蘸饱了墨，左一笔，右一笔地画起来。只见他一会儿停下笔来，对着画托着下巴仔细地端详，一会又挥起大笔画起来。有时，他嘴里叽哩咕噜地说： “这儿应该再浓一些!”或者说：“水应该再显得急一些，就更能够说明瀑布的浩大。”就这样，他看了改，改了看，过了很久，他才把第一幅画画完。原来他画的是一幅《祖国山河美》。远处的山峦是那样的青，近处的山峰又是那样的绿，瀑布飞流直下，好象一块白布挂在山川之间。

轮到我画了，我画什么呢?我想：“姥姥家有只美丽的大公鸡，每天早晨起得特别早，为大院的人们报晓，人们都非常喜欢它，我就画一幅《公鸡图》吧!”于是我拿起毛笔蘸上墨，画起来。我画完了第一幅画。内容是：一只大公鸡昂着头，抖动着五彩缤纷的羽毛，迎着晨光为人们报晓。

以后我俩每天画一幅画，这样我和哥哥画了许多画，有风景画，人物画……足够举办一个小画展了。小画展开始了，我们请爷爷、爸爸、妈妈参观。我们每人拿出三幅自己觉得比较好的画交给“评选委员会”评选。评选结果，我和哥哥画得都不错，决定星期天下午进行决赛。

决赛的方式是现场作画。先由哥哥画，他画了一幅《夜舰峰》。画的大多是诗人在山下的小酒店里喝酒，酒后，在小山坡上观赏一轮新月下的山峰。我的心里“咚咚”直敲鼓。画什么呢?我想： “今天是爷爷的生月，画一株挺拔的青松傲为我对爷爷生日的祝贺，多有意义呀!我几笔就画出一株青松。这是一幅寓意深刻的写意画，我觉得今天画得特别生动，逼真，全家都表扬了我。

经评选，我和哥哥并列第一名，我们拿着奖品在获奖作品前留影。

我们这个画展在不断地增加内容，直到寒假结束。目前，我又有些新的构思，准备把它们画出来。那时，请同学光临，欣赏我们的小画展吧!

绘画艺术作文 篇2

从小，我就对绘画有着一种特殊的情感。记得在我读幼儿园的时候，妈妈和爸爸就问我：“宝贝儿子，你想学点艺术啊。如书法、音乐、围棋”……我总是说：“我想学画画。”于是，我就与绘画结下了不解之缘。

绘画不仅给我带来了许多的快乐，也给我带来了好朋友似的安慰。在我开心的时候，用彩笔画下自己的快乐；在我不开心的时候，用颜料画下自己的烦恼。绘画成了我生命中不可缺少的一部分。

绘画有着别具一格的魅力。我最喜欢的是漫画人物，是我一直喜欢绘画的原因。我一直不会请叫老师，因为老师是不会跟我说漫画人物。但是我有绝招。我可以请叫我们班的画画天才“何德楷”。他很会画画，他也很喜欢画漫画人物，我的画肯定不可以和画画天才“何德楷”比的，人家可是一等一的高手。但是我一直在努力，为了让我画的更好，为了让我的漫画人物勃勃生机，为了超过我们的画画天才“何德楷”，让我成为班里的一等一高手。从幼儿园到现在，我不知用了多少张画画纸，现在翻出来看，可能已经不见了。虽然画的不好，但是每一张画画纸都有我对绘画的热爱。

我觉得，绘画是一样很高雅的艺术，它可以控制人的心情。它现在会伴随着我走下去，我相信，以后也会，绘画会伴随着我的一生。

我很开心，无论在什么时候，绘画都能陪伴我。无论怎么样，我都不会放弃绘画。

绘画艺术作文 篇3

我一直都渴望成为一个艺术家，看到别人写出苍劲有力的的毛笔字，心想我要是能写成那样就好了，这样我就可以在同学面前炫耀一下。看到有人用画笔刷刷几下，一只栩栩如生的小动物就跃然纸上。每每看到这些，我那个羡慕嫉妒恨很难用文字来形容。可惜我的学习压力山大，哪有时间去研究这些东西。有一天我突发奇想，想到神笔马良自学都能成才，我不能试一下嘛，说不定我会一鸣惊人呢！

对说干就干，首先我要画一只老虎。我找来了腊彩笔和一张白纸，像模像样的作起画来。等我下笔的时候我犯了难。老虎虽然在电视上见过，可具体长什么样子还真不知道。我问爸爸怎么才能画出一只老虎来？他说：这可真有点难，不过咱们家有只小花猫，你照着它画，然后在脑门子上添个“王”字不就成了一只虎了吗？我一想也对，俗话说照猫画虎，虽然说猫不是虎，可它们都是猫科动物，除了毛色不一样，个头小了点，其它还真有点像。对说干就干，于是我对着我们家的那头猫像模像样的画了起来。

等我画好了交给妈妈看。妈妈一看笑得前仰后合。我问她，我画的那点不对。爸爸拿过来我的画看了看说：“与其说你画的是老虎，倒不如说你画了只老鼠。”

通过这件事我深深的体会到：艺术不是凭空想象的，它来源于生活。通过我这次的“照猫画虎”我深刻的体会到艺术来源于生活，同时艺术来自于勤奋与努力。没见过老虎的人要想画只老虎是不可能的，天天见老虎的人如果不研究怎么去画也不会画出老虎的。

绘画艺术作文 篇4

“有信心的人，可以化渺小为伟大，化平庸为神奇。”萧伯纳的名言又让我想起了我学绘画的过程。

三年级的时候，我看别人画的漫画很好看，一回到家，就跟妈妈说我也要学绘画。可妈妈说；学绘画不是不可以，但你可不能“三天打渔两天晒网”？“我保证不能”。我肯定的说。妈妈对我的保证有所怀疑。经过我再三请求，妈妈终于同意了。

妈妈给我报了美术班，在我学习的绘画中，我对动漫产生了浓厚的兴趣，那一个个动漫中的人物从自己的笔中画出来让我很有成就感，虽然我画的不是很好。令我感到神秘的要算是国画了。简单的水、墨、笔和宣纸，既能画花鸟、山水，又能画动物和人物。一支软软的毛笔，配上墨的浓淡就可以把万千世界表现出来，不但可以有形，还可以给人一种神似的感觉。

很快一年过去了，我对美术也没有一开始的那种好奇和劲头了，老师教我们画素描，素描给我的感觉就是太无聊太乏味，使我失去了继续学习绘画的信心，所以上课的时候就马马虎虎的混时间，我这种行为并没逃过老师的眼睛，老师为这事儿单独找我给我做思想工作，在老师的苦口婆心下，使我明白了一些事实和道理，我也很努力的克服了自己的一些不好的想法，在绘画里继续着。

现在绘画已经成为我的一项爱好。每当我高兴的时候，我会想起画画；每当我累了，我就会画画；每当我烦闷的时候，画画会使我忘掉烦恼；每当我遇到难以用言语表述的时候，我就会拿起画笔……

绘画艺术作文 篇5

你可能也学过某一种艺术，比如：吹，拉，弹，唱，书法，绘画，泥塑，雕刻等。我就会一门艺术，那就是画画。

我画了许多作品，其中我最喜欢我画的柯南。

我才开始画这个人物，是我连续画了好几次头发，可一直没画好，经过我反复的练习，总算把头发画好了。“可我才画一个头发就那么难，那还是不换了吧，免得被人嘲笑。”就在这时候，有一位同学鼓励了我，让我不要灰心，继续加油，那时我也就有了再画下去的.勇气和自信心了。

于是我就开始画脸，其他脸上的部分我都会画，可是那眼睛阻止了我前进的脚步，后来我走找出了解决问题的办法—请教几位画画的高手来帮忙，过了一会儿，这个拦路虎也举起了降旗。

画下身那就更简单了，我才用了九牛一毛的功夫就画好了，可书面上没有出现腿长什么样，后来我冥思苦想，总算想出来了—我搜集了许多动漫人物，并选出了最合适的一项画了下来，经过我不懈的努力，我的画终于诞生了。

这幅画对于我来说，意义重大，所以我一直保留着。

绘画艺术作文 篇6

我从七岁开始就在美术课上学习绘画，到现在我坚持了四年。现在，绘画已经成为我学习和生活中不可分割的一部分。从油画、油水分离画、线描、黑白画、纸版画、水粉画、素描、静物画到我所学的国画，我非常喜欢。在学习绘画的过程中有许多有趣的事情。

有一次，老师教我们水墨——荷塘月色。老师给了我们每人一张宣纸，然后带领我们一起画这幅画。首先，老师把毛笔上的水扔掉，用一些草绿色把它染上颜色，然后用笔尖上的墨水把它染上颜色，慢慢地在宣纸上画荷叶:“画荷叶时，用笔慢慢地沏。”老师在宣纸上画了一支笔，几乎在瞬间，墨水慢慢地散开了。学生们也拿起笔，像老师一样画了起来。像老师一样，我先把草染成绿色，然后涂上一些墨水。哦，天哪！偶然地，我实际上把所有的墨水都放在了钢笔上。为了不让老师批评我，我很快又用毛笔蘸了草绿色颜料，最后变回绿色，然后继续写。！发生什么事了？草绿色的瞬间被黑色的墨水占据了！我疯了！仍然有两片荷叶没有画出来。如果我的油漆被毁坏了，我该怎么办？过来！我们就这样画吧。如果老师想骂我，就骂我，啊！我的手！天哪！因为我把刷子拿得太远，我的手被“感染”，汗水从脸上滑落。我正忙着用手擦掉它。“借墨水？我的墨水不见了，”我抬起头，原来是我面前的一个同学。“嗯……”我还没来得及说话，他率先说道:“啊！你在做什么?为什么你的脸这么漂亮？”“啊，怎么会？”我跑到镜子前看了看，但我也吓了一跳:我的左脸是黑色的，我的右脸是绿色的，我的鼻子是绿色的，我的嘴是黑色的。许多学生来看热闹，紧紧地围着我，发出阵阵笑声。最后，我也笑了。老师也不例外，笑得像个孩子。

绘画已经成为我的爱好之一。当我开心的时候，我会想到画画。当我累的时候，我会画画。当我无聊的时候，画画会让我忘记烦恼。当我遇到语言上的困难时，我会拿起画笔。绘画带给我放松、快乐、满足和智慧。

你可能还会喜欢:美丽的艺术品，我喜欢的绘画艺术和生活。

绘画艺术作文 篇7

以前，我似乎很少听闻这个词，那时候，仅仅懂得粗略的一点绘画。所谓的绘画，只不过是被我定义为简简单单的轮廓勾勒罢了，总以为那小张的的简笔画就是最漂亮、最生动的了。总以为那五彩鲜艳的世界会让我流连忘返，但现在，我才意识到，我真的错了。

原来画画不需要那么一笔就可以画出最美的轮廓，原来没有那五彩鲜艳的颜色也依旧可以画出最生动的画。素描就是这样，仅仅只需要一支铅笔，一张纸，一个橡皮擦和一双善于观察的眼睛。

素描要求首先对一个物体进校定位，依照横斜的线条画出基本轮廓，最后便是一个图案的平面图。这大概就是素描入门吧，这使我有了很大的信心，也是我第一次感觉到离成功这么接近，但，一切都只是开始。

后来，老师让我们渐渐尝试给物体画上明暗面，要求我们仔细观察光线的方向。但我依旧是老样子，只得先着急地画了个轮廓，对于我这种第一次接触素描的人，简直就像把七年级的学生拉来考物理一般，根本不知道该如何下手。我只还呆呆地坐在那儿，板着个脸，心里很是不畅快。老师走了过来，看了一下那毫无起色的画，遍询问道：“怎么了？”见老师来了，我像抓住了根救命稻草一般，赶忙将我的疑惑说了出来。但老师却说出了这样一番话：“这画画成什么样子还要看你自己，你看见是什么样子，就是什么样子。每个人所看见的事物都不同，因为他们站在不同的角度，思考不同的问题，所以，还是要你自己把握。”听了这话，我好像突然明白了什么，于是，我再次将注意力集中在物体上，仔仔细细地观察，最后，是一个令人满意的结果。

是啊，每个人所处的地位、世界都是与其他人不同的。但如果你永远只处在这个角度来看待事物的话，是不会有收获的。我们都要学会换角度看问题。

5.中外绘画艺术比较 篇五

国外欧式园林不仅数量多，而且风格多样，有许多自成体系的园林，如希腊园庭、波斯天堂园、罗马文人园、中世纪修道院、寺院、英国自然风景园、意大利庄园、法国宫园等。

中国园林的数量和种类也繁多，如纣王之沙丘苑台、文王之灵圃、秦时的上林苑、汉时的建章宫、魏晋的华林苑、南北朝的寺院园林、隋唐的皇家宫园和私家宅园、明清的北方御园和南方私园等等。

在中国和西方这众多的园林中，显然无法对所有类型的园林一一比较，而只能选择具有代表性意义的类型比较。

一、中国园林顺应自然特点

在中国，清代十七、十八世纪的北方皇家御园和江南私家园林最具有代表性，他们集中国古典园林的精华，代表中国古典园林的发展水平，是中国古典园林的典型。

中国园林景观设计顺乎自然，高于自然，表现自然气韵。

中国园林环境艺术特点以亲近、和谐的态度对待自然，在造园的过程中，讲究对自然物象的模仿和创造，力求再现自然界中各种事物，景的造型和气势使园林中的山水花木能具自然神韵，达到“虽由人作，宛自天开”的效果，这也就是所谓的“巧夺天工”。

颐和园的昆明湖、万寿山以及其中两堤：六岛、九桥显得自然和谐，没有人工穿凿之感。

避暑山庄模仿蒙古草园、西藏高原、新疆以及江南的名胜风光和名园建筑，取材广阔，但设置适宜，因势利导，注意吸取自然气势，因而显得很壮观。

宫区的建筑朴素、淡雅，与苑区的草园、山地、湖水和谐相称，整个山庄富有浓烈的自然韵味。

6.小班艺术活动——花灯(绘画) 篇六

1、学习用服装、发型的变化来表现人物。

2、区别颜色深浅，会用对比的颜色配色，使以彩鲜艳

3、知道华人新年，元宵节时的习俗，体验过节的愉快气氛，培养幼儿积极的情感。活动准备：

1、彩色水笔、蜡笔、红、绿、兰、黄等水粉色。

2、在区域里，可张贴各种范例画，如：各式彩灯、节日景色、弟弟妹妹形象等。活动过程：

1、介绍元宵节知道华人新年中的元宵节 ——我们华族特有的节日，是全国华族共同欢庆的节日。节日里大家穿上新衣，门前挂上彩灯，走亲访友，美丽的花灯和鲜艳夺目的各色衣服使我们的国家，我们的城市装点得更加美丽。

2、欣赏讨论。

①建议在观赏范例时，可引导幼儿讨论：画面上有谁？哪几位是弟弟？哪几位是妹妹？他们的衣服和头发有什么不同？

说明：通过讨论可帮助幼儿解决难点，理解发型和服装的不同可表现出人物是男还是女。

②教师还可引导幼儿观察：画面上的人物在干什么？说说自己看到的彩灯是怎么样的？有什么不同？（颜色、排列）说明：以上设问主要是引起幼儿用语言表达自己所见的兴趣。给幼儿创设交流有关彩灯知识的机会。

3、幼儿创作（1）教师可启发幼儿把人物画大。（可以看清头发、五官和服装）把画面画满，想象变化不同的发型和服装来表示弟弟和妹妹，并引导相互启发。

（2）用蜡笔画服装的图案、花纹。

说明：画得快的幼儿可不要等待。“穿戴整齐”即可去“看彩灯”——手指点画彩灯。

（3）手指点画彩灯。

建议如在点画彩灯过程中发现有个别幼儿已有深浅搭配和间隔排列的意识，则应马上介绍给集体，使幼儿逐步有配色的意识。对来不及完成作品的幼儿，要鼓励他们在区角活动中完成。

4、引导讲评找一找画面上弟弟妹妹都来看灯了吗？

看看彩灯漂亮吗？为什么这些彩灯特别漂亮？

5、活动——制作教具准备白纸数张，各色皱纹纸数张，订数机数个，剪刀数把，彩笔无数。

先用各色皱纹纸制作彩灯，也可用白色纸制作灯笼，让幼儿在灯笼上任意作画，涂色。把做好的各色灯笼挂在角落增添节日气氛。

7.中国绘画艺术论文 篇七

然而, 当今中国的艺术还存在着很多的问题, 我认为寻找问题的所在和解决问题的关键都要通过艺术教育来实现。今天的艺术教育大部分依然延续着陈旧的体制观念, 改革开放之前, 中国的艺术教育基于为国家意识形态服务, 以苏联的现实主义写实方式为主。在经济全球化的今天, 受西方现代和后现代思想的影响, 学院也增添了不少新的专业, 但多数是受市场的影响, 中国的艺术教育在摆脱了政治意识的束缚之后, 却又转向了迎合市场的方向。艺术教育真正的目的和意义始终没有解决, 所以很多艺术院校的学生都有困惑和盲目追随西方的现象, 甚至还有一些学生去追捧那些在“商业艺术大腕”。从教育的情况就可以反观出中国艺术的现状。我认为艺术教育应该是一种思想启蒙和传授绘画技术相结合的教育。但当前的艺术教育中却严重缺乏思想观念的启蒙教育, 导致学生在知识结构和对艺术自身的认识上非常幼稚和薄弱, 很容易随波逐流, 不明确自己的艺术定位, 就很容易受到商业及市场中不良现象的干扰。中国当代艺术的话语危机向我们提出了历史性的要求:只有建立起自己独立的艺术学理论及其教学体系, 才能使中国的文化及其艺术于世界艺术之林中彰显出自己的声音, 树立起自己的形象。

艺术教育中的不足, 很多是历史遗留下来的, 20世纪中国的历史因素, 决定了中国绘画的形势和现状。长期以来, 在求得民族解放和社会主义建设的历史背景下, 中国绘画一直担当着组织宣传的任务, 更在文革期间为政治集团充当着“工具性”的作用。这种长期对绘画艺术的束缚和掌控导致了艺术自身发展的停滞甚至退步, 在文革之后, 艺术家开始通过作品对刚刚过去的历史表达了怀疑和反思, 代表了绘画艺术在一个新时期的觉醒。随着改革开放, 封闭的国门打开, 大量西方现代主义思潮和形式涌入中国, 被政治束缚已久的中国艺术家从中借鉴、吸取了大量营养, 他们通过利用西方现代主义的绘画形式表达出自己被压抑已久的情感和对新时期艺术的憧憬。满怀激情的中国艺术家用十多年得时间, 像“走马灯”一样将西方现代主义各流派的艺术走了一个遍, 但这种外来的艺术毕竟不是自己传统的艺术, 它只是在中国特定的历史背景下, 满怀激情的艺术家在没有找到中国艺术自己的定位和方向的情况下, 急迫的建立和发展中国现代艺术的一种冲动, 也最终导致了中国现代主义艺术的终结。这个时期正处在鼎盛时期的中国现代主义绘画嘎然停止, 引起了文化和艺术界的深刻反思, 在摆脱了政治权利束缚的新时期, 应该建立起具有独立的、个性的、具有创造性的本土的中国自己的艺术价值观和评价标准, 是新时期历史赋于中国艺术家的责任和使命。批判现实是艺术的一种现实精神, 通过对传统的否定和对现实的批判, 介入和干预现实, 使人从真正的意义上获得自身的解放, 使社会保持良性发展。五四时期的反传统运动虽然过于极端的否定了传统文化, 但在那个特定的历史时期对传统文化中不思进取和固步自封的现象造成有力的抨击, 有其积极的社会意义。新中国成立后, 十年动荡的“文化大革命”用政治权利将艺术作为实现自己个人利益的“工具”, 抛弃了民主和科学, 走向了一条绝对的同一道路, 严重阻碍了文化和艺术的发展。唯有改革开放十几年才取得了真正意义上的文化革命, 这十几年中的中国文化已通过对传统与现实的全面思考而将现代化的进程提高到整体性革命的阶段。人们抱着建立新的文化格局和新的艺术面貌的激情对传统进行了有力的批判。因此, 它具有一种建设性意义, 它之所以有价值, 就在于它非常明确的确立了人的解放。就艺术而言, 人得解放是通过摆脱传统的束缚以创造出新的艺术语言而展示出来的。为此, 艺术家们开始对艺术与社会、艺术与宗教、艺术与哲学等问题全面的重新审视与思考。不幸的是, 在市场经济异常繁荣的今天, 批判和创新的精神, 被消费和娱乐的物欲所取代, 曾经的理想却成为今天的笑料。在今天中国的艺术教育中必须重新树立起中国当代艺术的价值观念, 创建自己的评价标准。

“中国本土艺术学”是相对于西方艺术价值尺度而提出来的。因为中国现代的艺术观念和艺术形式都来源于西方, 我们的绘画以及各种流行的艺术形式, 包括装置艺术、行为艺术、声光、影像等艺术形式也都是从西方引进过来的, 并且, 这种移植是全方位的;不仅包括艺术的观念、形式、工具、材料、包括艺术审美观念和评价尺度, 都是由西方艺术的审美尺度先定的提供给我们的。在我们当前的艺术教育中采用的艺术学理论及其教育体系, 都是建立在从西方引进过来的这些观念、方法和审美尺度之上的。我们的艺术理论和艺术学教育的基本框架和模式, 全部是在国外全盘照搬过来的, 最多再此基础上加一点点变动, 长时间以来我们一直受国外艺术思想观念的左右, 而本民族文化的精髓却逐渐抛弃。在我们接受西方的艺术观念和方法的同时, 同样也接受了他们的价值尺度, 一直以来我们都在用这种西式理论和价值标准来评价自己的作品和其他人的作品, 并把这种西方艺术的价值尺度连同它的审美观念传授给下一代艺术从业者。长期以来, 我们就这样不断地受西方的艺术观念的控制来探讨我们自己的艺术, 重复的创作着西方意味的中国艺术, 乐此不彼地教授着这种外来的思想理论和艺术形式, 而忘记了创造的神圣使命和本民族文化的精髓。由此造成的情况便是:中国艺术家对西方话语中心艺术审美尺度不假思索的无条件认同, 对西方艺术潮流亦步亦趋的追随和模仿。从而导致真正属于自己民族的、独立的、当代的中国本土艺术之魂始终蛰伏着没有觉醒。中国艺术家对西方现代艺术的追随与模仿已经走到尽头了, 中国艺术需要真正的创造力!

中国当代艺术中存在着一种不成文的价值观念, 就是所有关于艺术的标准都是西方说的算。只要是西方发生的文化现象似乎都是前卫的, 就是国际的, 放之四海皆准。似乎只有跟随西方文化艺术的脚步, 才能彰显出中国艺术的前卫。在当代绘画领域里我们总能发现这样一种现象, 即西方艺术家出个什么新样式, 一夜之间中国便出来一群追随者, 他们不在乎这种语言形式出现的动因, 不在乎跟自己所表达的思想观念是否相符, 反正拿来就代表“新潮”。以至于画面的形式语言跟思想观念产生割裂, 作品只剩下一堆怪诞的形式, 一片混乱。这种盲目的“拿来主义”对一些年轻画家和学院的学生造成了很大影响, 认为只要我跟别人不一样 (不管通过什么手段) , 就是新潮。却不知道绘画语言的创新和个性, 是需要对这个社会、对自身的生存环境的感受而来的。

从新中国艺术发展的历史我们可以看出, 改革开放之前, 中国的艺术始终处在政治权利的束缚之中, 艺术彻底丧失了自由和创造力, 严重阻碍了中国当代艺术的发展。改革开放之后, 西方现代主义信息大量涌入长期封闭的中国, 使长期受到压制的中国艺术家从中摄取了新的营养, 急于改变中国艺术现状的艺术家们, 用短短十几年的时间, 将西方现代主义个流派的艺术形式像走马灯似地走了一个遍, 各种西方艺术形式齐上阵, 局势混乱, 这种急功心切、浮躁的心态最终导致了“中国现代艺术”的终结。综上所述, 无论是在继承传统的基础上发扬光大, 还是借鉴外来的文化体现时代的意识和精神, 我们看到了艺术的可贵之处在于创新。不光是在继承传统的基础上对形式语言的创新, 更是要对时代的意识和精神做出反应, 才能体现出艺术的创造力。要改变当代艺术的现状便要先从改变艺术教育做起, 使中国的当代绘画充分展现出创新的活力和独特的气质。

参考文献

[1]吕澎.20世纪中国艺术史[M].北京大学出版社, 2006

[2]贺万里.永远的前卫——中国现代艺术的反思与批判[M].郑州大学出版社, 2003

[3]钟跃英.原创性艺术[M].上海书画出版社, 2009

[4]易英.从英雄颂歌到平凡世界——中国现代美术思潮[M].中国人民大学出版社, 2004

[5]段炼.世纪末的艺术反思——西方后现代主义与中国当代美术的文化比较[M].上海文艺出版社, 1998

8.中国绘画艺术论文 篇八

关键词：中国文化；绘画艺术；素养

中图分类号：G622 文献标识码：A 文章编号：2095-4115（2014）09-302-1

中国画是中华民族传统文化的重要组成部分。中国画凝聚了数千年中国思想、文化、艺术的成分，作为中国人审美心理的一种最独特、最合适的表征，对整个东方文化产生了巨大而深远的影响。它历史的和现实的存在意义，全部在于它是东方的、中华民族的。继承传统文化，就美术而言，并非仅指某一方面或者某种技法，更重要的是要把握传统中国画的艺术本质和精髓，学习传统应该以现代精神为价值取向，以画家的个性创造为主体，以社会现实生活为基础。传统不但具有延续性，更具有开放性和变革性。

艺术观念需要更新，真正的艺术必然是时代、社会、人类精神的投射，它可以跨越时空界限。不论哪种艺术门类，不论传统艺术还是现代艺术，东方艺术还是西方艺术，它的历史继承性既可表现为对本民族艺术的汲取和接受，也包括对其他民族和国家优秀文化和艺术成果的吸收。它不可避免地体现出继承性，从审美观念到创作方法，从艺术技巧到表现内容，以及艺术门类，都有继承的余地。中国画在发展中已经形成了自己的审美体系和表达准则，这些理念成为一种财富，也或许成为思想创作上的枷锁。例如中国画讲究“传移模写”，但其初衷并不在于要画家陈陈相因，而是要他们通过对范本的临摹，去体会中国画的艺术精华和魅力。艺术的珍贵性来源于艺术的独创性，即是吸收后的再表现，继承只是为了创新。每一个时代的艺术都有自己的新颖性和独特性，艺术发展也就是一个不断除旧布新的过程。

多年来，因为西方美术进入中国，传统中国绘画受到了前所未有的冲击；另一方面，由于社会制度和意识形态等方面的变革，作为旧的农业社会经济状态和封建文化范围的产物，传统中国画赖以生存发展的时空均已消失，传统中国画的观念、语言、风格、样式等已经不能完全适应现代社会人们的思想观念、审美观念、文化环境和生活节奏。因此，中国画进行根本性的变革与创新则在所难免。西方美术种类、样式的引进，是中国美术史上迄今为止发生的最重要、最带根本性、最具本质意义的变化。它改变了传统中国美术数千年来的格局和大一统的形式，使中国美术迈出了东方封建主义的大门，真正参加了世界美术的比较和发展行列。变化之后的中国美术的整体构成，使得创作者和欣赏者的审美意识和审美理想都有可能在多样式的美术种类中得到充分表现与满足。传统中国画的样式不再是唯一的、统一的中国美术样式，而只能是中国美术多样式中的一种。现代中国美术的整体构架，也是中国传统绘画必然变革的背景条件。

优秀的文化必然会碰撞、融合，例如自从西方绘画传入中国和中国画家留学西方之后，素描这种纯粹西方式的造型方法就被中国人学习和移植了。西方素描法的引进，使传统中国画的造型观念产生了根本性的变化。尤其是人物画方面，可以毫不夸张地说，没有西方素描法的引进，画家没有西方素描法（或改革后的西方素描法）做基础，几乎不可能进行现代人物画的创作。中国画要想反映生活、贴近社会和具有时代气息，几乎都是不可能的。因此就以美术教育来说，我们也要注重引导青少年一代，博采众长，为我所用。

新的中国画艺术语言必然是传统中国画艺术语言的延续和革新，而新一代人才的成长，也不可脱离世界经济乃至文化交融的格局。现实的创作实践已经证明，许多画家正在不断地从传统的成分中探求发掘现代意识的因素。对传统文化的再认识，已经成为现代画家最具现代意识的新观念之一。大陆画坛在80年代初期掀起了现代主义思潮之后，中期就又流行起了所谓“新文人画”之风。这种表面看起来很传统的文人品味，很讲究传统笔墨的画风，正说明中国画画家已经从追求西方现代主义思潮和困扰中醒悟过来，又重新考虑中华民族艺术的基点，重新向民族艺术的传统中探索谋求现代发展的因素。

当前，中国美术界形成了包括中国画在内的多元化、多样式的格局。面对这种艺术争鸣的时代，每种艺术观念都是平行发展的艺术空间，同样，也不是通过简单复制、粘贴就能够达到相互交融的。我们要保持中国画的生命力，最重要的是艺术家应该在其创作中具有各民族能够普遍接受的美学价值。对传统文化的理解和把握，并不是狭隘的民族主义，而是要保持艺术家的真挚的艺术理念。在这样一个文化纷繁的时代中，只有立足于对传统文化理性的分析上，才能对现实与艺术做出正确的判断。传统中国画可以说是民族性神采的一个重要浓缩，这才是时代最好的生命之源。艺术创作的形态和方式可以丰富多彩，形式的获取、语言的挪移现象确实存在，但真正重要的是如何借用西方文化的这些形式和语言去面对传统的中国的文化，去透视中华文化的生存本质。代表中国甚至整个东方绘画母文化的中国画如果偏离了这个根本，就无法在中国画创新与现代化发展中找到自己的位置。而基础教育阶段的美术教育，也同样应该遵循这样一种认识。

毋庸讳言，多年来，社会上形形色色的思潮已经严重地侵蚀了大众的思想，甚至青少年一代也无法独善其身。因此，在“中国梦”的进程中，道德重建势在必行，文化传统不可丢弃。尤其是纯洁的青少年，必须接受优秀的中国传统文化的滋养，其中，中国绘画艺术就是极其丰富的中国文化源泉。

作者简介：

9.大班绘画活动：蛋壳艺术 篇九

活动目标：

1.选用多种辅助材料，通过剪、贴、粘、画等技能装饰鸡蛋，使鸡蛋大变身，在做做玩玩中发展幼儿的动手能力。

2.培养对蛋壳制作的兴趣。

3.根据蛋壳的外形特征及可碎性，展开丰富的想象。

活动准备：

1.教师示范作品两三件。

2.自制完整蛋壳的录像;

3.蛋壳、水彩笔、胶带、毛线、彩纸、棉签、橡皮泥;

活动指导：

一、学习蛋壳画

1.欣赏蛋壳画。

(1)师：(出示背景)小朋友，森林里阿有几只小动物，想和我们一起做游戏，你们愿意吗?(分别出示蝴蝶、熊猫、螃蟹)

(2)师：这几只小动物和你以前看到的一样吗?

允许幼儿摸一摸图画，再说说自己的感受(蛋壳)

2.分析蛋壳装饰画

(1)师：对了，它们呀都是用蛋壳贴出来的，我们给它一个好听的名字——蛋壳画。我们先来看一下蝴蝶这幅图画，说说你发现了什么?(师引导，指出蛋壳颜色的不同，这样画面更加清楚，漂亮)

(2)师：熊猫(师引导，小结：熊猫的眼睛和耳朵是黑色的，脸上是白色毛，所以在贴的时候耳朵和眼睛处不用粘贴了，以此把眼睛耳朵和脸区分开来，画面也更加漂亮)

(3)师：螃蟹(师引导，小结：螃蟹的身体和腿是两个部位，所以可以用两种蛋壳的颜色来进行装饰，螃蟹腿是从粗到细的，所以在装饰细的地方时蛋壳要掰得碎一点，而且要认真、有耐心)

3.制作蛋壳画(出示步骤图)

(1)师：那你知道它们是怎样制作出来的吗?(先……再……)

让幼儿自由讲述，出示步骤图，教师简单小结，讲述制作过程：

1)用记号笔画出线条图案;

2)小心的捏碎蛋壳;

3)用棉签将浆糊涂抹在图画内;

4)最后贴上打碎的蛋壳。

(2)师示范操作。

3.幼儿操作活动，教师指导、帮助动手能力差的幼儿。

4.展示幼儿作品，与幼儿分享蛋壳画的`特殊效果。

二、制作蛋壳娃娃

(一)探索蛋壳娃娃的秘密

1.提问：

(1)猜猜它们是用什么做的?

(2)蛋壳为什么有的大，有的小呢?颜色有什么不同呢?

(3)妈妈做鸡蛋以后的蛋壳是烂的，这些鸡蛋壳为什么都是好的呢?

(4)蛋清蛋黄是怎么出来的呢?

2.播放制作完整蛋壳的录像，请幼儿观看、学习制作方法。

3.提问：这些蛋壳娃娃是怎么做出来的?重点讨论小猪的鼻子，白兔的尾巴，小鱼的眼睛是用什么制作的? 教师小结：制作蛋壳娃娃不但要准备蛋壳，还要有很多的辅助材料，通过画、粘、插才能制作出惟妙惟肖的蛋壳娃娃。

(二)制作蛋壳娃娃

1.教师：小朋友，你们喜不喜欢蛋壳娃娃?老师已经为你们准备了制作蛋壳娃娃的材料，我们一起动手来制作蛋壳娃娃，好吗?

2.介绍材料

3.提出要求与注意事项

教师：小朋友开动脑筋，大胆想像，制作出与众不同的蛋壳娃娃，无论用什么，怎么用都可以，一会儿我们比一比谁做的做好! 蛋壳很薄，易碎，小朋友制作时要轻拿轻放，不要把蛋壳弄碎了。

4.幼儿制作，教师巡回指导。播放音乐班得瑞《仙境》，为幼儿营造轻松、舒适的气氛。

三、展评作品。

10.绘画艺术设计专业简历 篇十

绘画艺术设计专业简历

绘画艺术设计专业简历，在写绘画艺术设计简历时要怎样写才算是一份标准的求职个人简历，写简历有什么特点?你现在阅读的这份绘画艺术设计策划个人简历仅作为写简历时参考范文。对于专业与职位不的不同那么在写个人求职简历时应该注意什么?以下大学生个人简历网相关提供一篇绘画美术编辑个人简历模板为写简历阅读参考资料写作。 姓名：个人简历 三年以上工作经验|男|25岁(1991年8月22日) 居住地：上海 电 话：166********(手机) E-mail： 最近工作[1年8个月] 公 司：XX有限公司 行 业：广告推广 职 位：高级策划 最高学历 学 历：本科 专 业：绘画艺术设计 学 校：XXX大学 求职意向 到岗时间：一个月之内 工作性质：全职 希望行业：广告推广 目标地点：上海 期望月薪：面议/月 目标职能：高级策划 工作经验 /7—至今：XX有限公司[1年8个月] 所属行业： 广告推广 策划部 高级策划 1. 主要负责为各类品牌，特别是女性类的品牌在互联网的推广， 2. 包括新品牌的推广，新品上市，促销等通过策划网络与线下活动增加品牌的曝光， 3. 为品牌招募更多用户，提升品牌的知名度与在消费者中的影响力。 /6—2013/6：XX有限公司 [1年] 所属行业： 网络广告(本文由大学生个人简历网 小编写作，请注明) 设计部 美术设计师 1. 网站视觉设计、flash动画设计;网页重构。 2. V4版的全面改版网页美术设计工作; 3. 站内外(flash和非flash)推广网络广告的.策划设计， 4. 制作、统计分析、改进、视觉设计、网页重构)。 教育经历 /9—2012/6 XXX大学 绘画艺术设计 本科 证书 /6 大学英语六级 /12 大学英语四级 语言能力 英语(良好)听说(良好)，读写(良好) 自我评价 本人有丰富的品牌推广与活动策划经验，曾经为多项国际品牌策划在互联网上的推广活动并取得了良好的效果;本人性格开朗、稳重、自律、真诚，能够在压力下工作，并具备较强的组织能力、实际动手能力和团队协作精神。

11.中国绘画艺术论文 篇十一

随着时代的发展，中国美术的文化理念与语言形态发生巨大的变化，在平面绘画领域，“综合材料与表现”成为很多美术家表现时代精神、更新观念、探索形式美感的追求。在现代社会，画种概念的边缘在渐渐模糊，需要用更多手段、材料技法来表达情感、情思、观念、观点，表现前人没有表现过的内容题材。在这个时期，历史上已经形成的、固有的方式方法可能是不够用的，因此才会出现综合材料绘画。综合材料绘画已经成为众多中国美术家彰显时代精神、更新观念、探索形式美感的语言形态。在体现与时俱进的文化理念与当代生活的多元化艺术表现上，综合材料绘画为中国美术的时代性和国际化形象的树立，发挥了重要作用，顺应了我们这个时代的文化发展需要。

观念突破是创作进步的关键点

综合材料绘画作为我国整体美术格局中的新型绘画形态，以开放的姿态、与时俱进的理念和丰富而新颖的表现手法，受到社会的广泛关注，已经为很多美术家用于表现时代，更新观念、探索形式美感。展览现场，胡伟的《西域祥云》、胡明哲《浩渺》、杨劲松《搅成团系列之二》、田卫平《地表系列》等名家作品，都在材质与形态、风格与样式的探索中形成了鲜明的特点。而此次集合全国优秀综合材料绘画作品的展览的举办，也为美术创作注入了一股新的活力。

综合材料发展前景将越来越好

综合材料绘画在中国经过一段时间发展，已吸引了众多艺术家在此领域探索，在中国美协主办的第十一届全国美展，三、四届全国青年美展，一至五届北京国际美术双年展以及“纪念辛亥革命100周年综合美术作品展”中，也涌现出大量优秀作品，丰富了中国美术创作与展示格局，体现了“单画种材料技法的演进与多画种或多种材料技法互渗融通”的学术宗旨。

青年画家作品令人耳目一新

本次展览中，不少参展者仍是在校学生，这些青年作者灵活的技法和丰富的表现力令人耳目一新。参展青年画家黄祺的《境》，就是以综合材料丰富多元的表现手法，来诠释一种思想性和意境上的感覺、人类灵魂的状态。由于综合材料不受材料技法的限制，画面的结构碰撞也表现得更加突出，画面感觉也更加丰富灵动。而另一幅青年画家周墨的《月光女神》，则以矿物质颜色和陶瓷颜色来表现西藏雪山，版画的画法突出了山体肌理，脱离传统画法，但视觉冲击力很强，表达出雪山的圣洁。他们表示，有越来越多的年轻人来学习和探索综合材料绘画，新鲜血液的加入使综合材料绘画融入了更多新鲜感和时代感，作品也逐渐被更多人接受。

12.中国绘画艺术论文 篇十二

1.古代中国女性画家的地位

总体上看来, 古代中国女性画家在美术史上占据微不足道的地位, 甚至可以用“缺失”形容, 到隋唐时代才有女性绘画记录, 其涉及肖像、山水等多个领域, 但鲜有女性意识出现。到了伦理学观念比较浓厚的宋代, 女性绘画有所发展, 其目的多是以画自律。元朝, 贞节观念被强化, 女性思想受到压制, 至明初, 封建礼教极度发展, “女子无才便是德”对女性思想进一步压制。直到明晚期, 因妇女个性解放思潮萌发, 女性自我意识逐步增强, 相关绘画得到空前发展。清代, 尽管女子遭受礼教约束更严重, 中国文化中对女性的歧视和迫害也达到了极端, 但封建经济发展的矛盾让一些人意识到女子读书识字可能会对女性的状况和国家的经济有所改善, 开始从封建伦理要求出发, 倡议在女教的“德、言、容、功”内容上增添新的内容, 客观上促进了女性绘画的发展。然而, 从总体上看, 旧时代的绘画基本由男性完成, 有机会参与美术活动的女性很少。汤玉编著的《玉台画史》中, 仅仅记录了201 人。

这些为数不多的女性画家一般被学界分成“闺阁名媛派”和“风尘名妓”两个主要绘画群体。前者指的是与古代文人骚客有直接关系的一类女性画家, 她们成长于名门大家, 有上流社会的身份与地位, 其绘画主要来自父兄或丈夫的言传身教, 学习绘画之目的多为陶冶情操或消遣娱乐。因画风在不同程度上受家教影响, 继承了男性的审美方式和情感表达方式, 这些女性画家的风格, 都始终以男性审美作为标准, 其艺术价值也是依附与迎合男性主权社会的品位而存在。后者最早出现于春秋时期, 但直到明中晚期, 才得到进一步发展。风尘画家薛素素和柳如是均为少有的才女画家, 前者的《吹箫仕女图》和后者《月堤烟柳图》在中国画史上具有重要的意义。然而, 风尘名妓, 多是由因家庭变故而沦落的富家才女和老板出于赢利目的, 请人教授秉性聪明的女子学习琴棋书画而成才者, 她们虽常常以女性情感作为依托, 将自己的情感灌注于画面之中, 体现出女性意识, 但因其对男性的依附关系, 多是在男性视域下迎合男性的创作, 符合男性审美趣味缺乏体现女性绘画艺术的自我特点, 从本质上只是艺术上对男性依从关系的延伸。

2.古代绘画作品中的女性形象

从中国古代女性绘画题材反映出的主题来看, 女性都是被男性描摹的对象, 形象固化单一。大致可以归纳为“贤妻良母”和“贞洁烈女”形象。

在中国传统绘画中, 良母形象常常通过画中母子之间的天伦之乐呈现。由男性绘画创作的该类题材的作品, 可能寄托的是作者本身对母亲情感的一种寄托, 或者是旁观者的身份来对母性情感的一种歌颂, 女性创作作者则可能是基于本性中就蕴含着母性情感, 以至于从自我的母性角度去阐述与表达这种母性情感的伟大。贤妻形象既与良母形象不可分离, 体现于相夫教子, 也体现于在父权夫权之下, 女性甘愿在家庭中扮演俯首帖耳恭顺屈从的辅助角色。古代绘画中, 不乏描述在清冷凄迷的意境中, 妇女们忙着捣衣和裁衣, 以便寄给出征远方的丈夫的画面。就本质来说, 古代绘画中的“贤妻良母形象”都是对“男主外, 女主内”的男女分工家庭模式的一种反映。这种传统的家庭角色分工和先人后己的“传统美德”, 也更多地体现了一种牺牲自我的母性情怀。另一种是“贞洁烈女”形象。这些绘画多要么是对女性贤良淑德、德行品质的着力刻画, 要么是对女性“从一而终”“、男尊女卑”等贞操道德观念的彰显。东晋顾恺之的《女史箴图》、《烈女仁智图》就是这类题材的代表。

3.封建礼教对女性绘画的制约

古代女性绘画中揭示出的女性“地位低下”, “现象固化”现象是封建礼教思想钳制的结果, 后者对女性从事艺术至少有如下几个方面的影响:

第一、大多数女性都不得从事艺术活动, 所以, 在古代记录和流传下来的绘画作品中, 女性只是作为描摹对象出现在男性的绘画作品中。

第二、绘画作品中主要由男性描摹出的女性画像, 都是男性审美特征的产物。无论是贤妻良母, 还是贞洁烈女, 都是按男性的标准塑造的。即便对于美丑的评判, 也深深体现出男性的好恶。比如, 尽管各个朝代对“女性美”有不同的标准, 这在不同朝代的仕女画像中就可以看出, 唐代以丰腴华贵的女性为美, 宋代以女性的纤柔与娇羞为美, 清代追求“病态” “多愁善感的”的女性美, 但无一不是以符合当时男性的审美标准而定, 都是男性把女性当作消费品的象征。

第三, 少数女性因为具备某种特殊条件得以有机会绘画, 也正是这些在夹缝中生存下来的少数女性绘画, 才在古代中国绘画史上留下了女性绘画艺术的印记, 但是, 在封建的男权社会中, 男性占据全部经济资源, 并掌握着政治、经济、文化等方方面面的社会话语权, 女性“在家从父, 出嫁从夫”, 与男性纯粹是依附与被依附的关系。在这种关系下, 中国古代女性接受美术教育必须在男性本位文化的大背景下进行, 因所接受的美术教育必然深受封建伦理道德规范的羁绊和男性本位文化的影响, 这就使女性美术教育有顺应封建礼教对女性的要求和男性审美情趣的倾向。

摘要：因为封建礼教束缚, 女性对男性人身依附, 缺少接受艺术教育的机会, 中国古代绘画艺术史上不仅女性画家稀少, 而且女性题材的画作也是男性视角下的创作。

关键词：男性话语,女性绘画,女性形象

参考文献

[1]尹红, 中国女性绘画与女性意识, 东方艺术, 2005第6期。

13.2017艺术节绘画比赛小结 篇十三

参赛学生：四年级8个班共24人 五年级7个班共21人。比赛时间：2017年5月10日 比赛地点：科学楼三楼电脑室

本次活动各班选手均以极大的热情参与，在比赛过程中各显神通，创作了一副副画面生动、创意无限的作品。

学生的绘画均以思想健康、积极向上的内容为主题，同学们绘画作品的立意较好，如宣扬社会正能量的《扶老奶奶过马路》、《保护环境人人有责》《我身边的美好事物》等等，表现大自然美好景色为主的《冬天的草地》《美丽的农场》《田园风光》等等，寄物思情的《咏梅》、《曾经的美丽家乡，你还好吗》等，科幻主题的《中国太空站》《西瓜小屋》等等。这次电脑绘画反映了当代小学生的年龄特点，他们懂得用心观察世界，有丰富的想象力，向往美好事物，并用准确的电脑绘图技能表达出来。

14.绘画艺术设计个人简历 篇十四

绘画艺术设计个人简历由大学生个人简历网为您提供。请详细阅读工艺美术设计英文简历为参考资料，在求职中你知道装饰艺术设计个人简历范文怎样写的吗。许多求职者都在为写求职信而烦恼，现在大学生个人简历网提供一份媒体影视制作个人简历模板为参考，注意写求职信时请以自己的真实情况填写

目前所在： 白云区 年 龄： 21

户口所在： 汕尾 国 籍： 中国

婚姻状况： 未婚 民 族： 汉族

培训认证： 未参加 身 高： 170 cm

诚信徽章： 未申请 体 重： 56 kg

人才测评： 未测评

我的特长：

求职意向

人才类型： 在校学生

应聘职位：平面设计师：平面设计师助理,学徒，广告创意/设计主管/专员：，摄影师/摄像师：摄像师助理

工作年限： 2 职 称：

求职类型： 实习可到职日期： 两个星期

月薪要求： 面议 希望工作地区： 天河区,白云区,广州

工作经历

潭西水利水电管理所 起止年月：-07-12 ～ 2009-09-07

公司性质： 政府机关 所属行业：电力/水利

担任职位： 绘图员

工作描述： 主要工作是绘制CAD图纸和资料的整理

离职原因： 回校上课

教育背景

毕业院校： 广东建设职业技术学院

最高学历： 大专 获得学位: 专科 毕业日期： 2011-07-06

专 业 一： 计算机多媒体技术 专 业 二：

起始年月 终止年月 学校(机构) 所学专业 获得证书 证书编号

-09-15 - 广东建设职业技术学院 计算机多媒体技术 全国计算机信息高新技术图形图像处理模块操作员级(国家职业资格四级)考试合格证书 20090196

2008-09-15 - 广东建设职业技术学院 计算机多媒体技术 全国计算机信息高新技术网页制作模块网页制作员级(国家职业资格四级)考试合格证书 2009122

语言能力

外语： 英语 一般 粤语水平： 优秀

其它外语能力：

国语水平： 精通

工作能力及其他专长

有较好的平面设计能力，在校期间从事两年的`学校海报、板报和晚会背景制作和宣传工作，对Photoshop，Coreldraw，DW，Flash，3D-MAX，CAD，Authorware等设计软件熟练的掌握，本人具有良好的团队精神和组织能力。

详细个人自传

本人性格开朗，有很强的抗工作压能力，在学期间曾先后被为“先进个人”、“班级工作积级份子”、“学雷锋积级份子”、“优秀工作者”等称号，在学校举办的各项设计比赛中曾获得“设计大赛创意奖”、“网页设计一等奖”、“FLASH设计三等奖”、“创意设计三等奖”等奖项。

15.中国绘画艺术论文 篇十五

关键词：民族,地域,风格,西北艺术,民间社火艺术,原始性,生命力

民族、地域与文化

中国是世界四大文明古国之一, 有着悠久的历史和灿烂的文化。中国美术也同样渊源流长, 具有鲜明的民族风格和卓越成就, 在世界美术之林中独树一帜。在世界艺术史上, 中国, 以其丰富多彩、博大精深的艺术遗产, 鲜明独特的艺术特色和卓越的艺术成就占有极其辉煌的地位。中国美术的伟大成就, 足使我们引以为豪。

中国一位著名画家方济众先生在他的《谈艺录》中说:“艺术是人类生活中的精神结晶。它伴随一个民族的发展而发展, 也伴随着一个民族的消亡而消亡, 因而它的诞生从一开始就不可避免地具有其民族特色。当我们一接触到艺术, 它就必然以民族的特色呈现在我们的眼前。”

民族的就是世界的。今天, 中西文化正进行着史无前例的交流和融合, 只有在探索民族精神、吸收外来文化营养的基础上不断开拓创新, 才能使中国艺术以全新的面貌巍然屹立于世界艺术之林。

就像中国艺术与西方艺术大异其趣、风格迥异一样, 在中国艺术内部也有南北各异的风格差异。中国是一个泱泱大国, 幅员的辽阔, 造就了中国文化异彩纷呈的面貌。从文明的初期开始, 北部的黄河文化和南部的长江文化就以各自不同的风格特色为中华文明奠定了坚实丰厚的基础。

在艺术中虽然不适宜将南方和北方截然分开, 但是两相比较, 还是可以看出明显的差异。例如, 那些“如清风、如云、如霞、如烟、如珠玉、如幽林曲涧、如水波涟漪”的作品, 多产生于东南地区;而那些“如崇山峻岭、如决大川、如火、如闪电、如长风出谷势不可挡”的作品, 则多出自西北地区。一边是“水灵灵的”气质, 一边是“火辣辣的”禀性, 从自然环境到人的性格, 从民风民俗到艺术作品, 无不呈现出各自鲜明的地域性特征。不能否认艺术风格与自然环境的差异有着密切的关系。

法国艺术评论家丹纳主张“艺术决定于社会、气候利地理环境”。

与丹纳的观点遥相呼应的是中国有句俗语叫作“一方水土养一方人”, 意思是人往往是由他所处的环境所影响、所决定的, 其中包括自然环境和社会环境。艺术既然是活生生的人的创作, 表现着活生生的人的灵性, 那么由不同的环境所塑造不同的人, 就会造就不同的文化和艺术风格。中国艺术史就为这一论点提供了有力的支持。

陕西有13个王朝建都, 中国封建社会无论政治、经济还是文化最鼎盛时期的唐朝首都就在地处西北的陕西长安, 在这一背景下, 受到上升时期文化中心优厚土壤的滋养, 积淀在西北地区的文化精神已经不再是一般意义上的地缘性文化传统, 而是上升时期高昂的中华文化精神。而以东南部江浙地区为大本营的文人画传统是从宋代才开始蓬勃发展的。文人画的基调是秀美、优雅、精致、恬淡, 既使是以奔放肆意之情挥毫写意的画家, 也终归浸透着文人士大夫艺术家那种高雅淡泊的气质, 大不同于汉唐艺术的浑莽沉雄。

从某种意义上说, 文人画是南方传统而不是北方传统, 它和青山秀水、文人荟萃的江南的自然环境和人文环境密不可分。说起自然环境, 与南方长江流域的温润秀丽不同, 地处黄河流域的大西北气候寒冷, 干燥而贫瘠的黄土地、连绵起伏的黄土高原, 于雄浑中包孕着神秘而崇高的力量。而西北风情, 不仅是指自然风貌的雄险、苍莽、深沉、肃穆, 也包含着民风的憨直、朴实和粗犷。相对于宋元明清以来南方高度雅致的文人艺术, 周秦汉唐那雄壮的开拓精神始终激荡着西北大地, 经过几千年的文化积淀, 形成了西北特有的博大深沉、雄强刚健、质朴自然的艺术精神。一种以崇高为根本特质的审美倾向也从内在方面赋予西北独特的美的基调。“西北”与其说是一个地理概念, 不如说已经成为一个文化概念, 包括美术在内的多种艺术领域里都有“西北艺术”之说。

西北艺术

西北艺术源远流长, 这里是政治、经济、文化的中心。作为文明的发源地, 中华民族的文化根脉——远古的彩陶文化、青铜文化……都要首先从她的腹地去寻觅:作为文化交流的前沿——通往欧洲的丝绸之路起点, 也要到这里追溯。

作为农业文明的发祥地, 黄河中上游是炎黄子孙的摇篮。陶器是新石器时代最突出、最丰富的美术创造, 大约在距今1万年前左右, 这里就出现了精美无比的彩陶艺术。彩陶那浑朴端庄的造型和各种神秘的动物纹样、具有装饰性的几何纹样等等, 带给人许多暗示和灵感。青铜艺术经过血与火的冶炼, 把巫祝幻想化作神奇的纹饰和威严的造型, 给人以莫可名状的、深沉而又悲壮的审美经验。古老的图腾和神话故事中充溢着先民对自然的崇拜和原始的生命意识, 那是一个人面龙身、虎身九尾、一首三身的仙鸟异兽出没的世界, 是真实与幻想碰撞出的极致境界。

西北的中心就是古代的长安, 封建社会前期十多个王朝先后在这里建都, 这个一千多年历史的古代文化中心拥有丰厚的文化遗产。有被列为世界八大奇迹的秦代大型兵马俑, 汉代 (公元25—220年) 雕刻中最杰出的代表——宏伟的霍去病墓的石雕群, 唐代皇帝的陵墓在长安附近有18座, 俗称“唐十八陵”, 陵墓前的雕塑气势豪迈雄伟, 造型单纯冼练, 细部刻画准确精到, 墓室壁画线描流畅自如, 圆浑挺劲, 无不显示出盛世的时代精神。

西北山区有连绵不绝的黄土高原阻隔, 再加上一直处在相当封闭的农村自然经济环境当中, 人烟稀疏、荒莽浑古, 但却绝不是文化的沙漠。从具体的时代这一横向的层面看, 中心;文化从长安这个大都市向周围偏远的县城、山村辐射, 并以自己的轨迹传承下来, 逐渐演变成独具特色的西北民间文化。从历史发展的纵向脉络看, 封闭的程度越高, 发展演变的步履节奏越迟缓, 越有利于原始文化传统因素的保存。当主流文化受时代的推动而不断更迭变迁的时候, 远离主流文化发展进程的民间文化的发展, 具有相当的稳定性和持续性, 并且因其保守封闭, 而呈现出纯粹性。当历史的记忆越走越远的时候, 在民间文化中却仍然奇迹般闪烁着自远古以来各个时代的文化异彩——山村老人娘信手剪来的窗花剪纸, 可能正是远古图符的纹样;经久不衰的社火活动, 显示出与原始的招魂巫仪之间的传承渊源;质朴直白的民歌浸透着满腔满调的原始野味……

在主流文化一路走来, 日趋“精致”、“文雅”的今天, 这些携带着远古文化信息的“活化石”, 让我们得以重新发现人类的原初本真, 感受原始的野性和力量, 体会一次次心灵的冲击。而其中村村都有、年年举办的“社火活动”, 更将远古的人类文化以全方位的、立体的形式生动地展现在我们面前, 那扑面而来的古风古韵给人无以复加的震撼。

民间社火艺术

在巫风盛行的远古时代, 人们信奉“万物有灵”, 神灵具有超人力、超自然的神秘力量, 主宰着世间万物, 于是遇事必占告神灵、卜问祸福。

穿越数千年的历史时空, 这种原始巫术文化仍然以其不可思议的生命力从远古延续到今天, 并以相当程度的广泛性渗透在传统民俗活动中。社火这种古乡俗, 作为村社化了的“国祀”仪式, 也是最热闹的民间活动。“社火”二字的确切含义, 还是民间老艺人说得明白:“一社人火腾”。

社火又被称作“哑戏”, 因为角色是“哑巴”, 只有戏装的扮相而没有唱腔。正是因为这样, 社火扮相尤其讲究视觉效果, 一定要“好看”。夸张的色彩和充满想象力的造型, 犹如一场视觉的大宴让人眼花缭乱。社火一闹, 先是儿声炮响, 接着鼓乐大作, 全村人一齐涌向街头, 一时间人山人海, 水泄不通。踩着半人高的高跷, 在人群中高高在上的社火队伍缓缓前行, 环绕村社广场一路敲锣打鼓, 场面壮观。抬头仰视, 只见每个社火人物都画着脸谱, 装扮成古代神话或历史传说中的大神大将, 一个个全副上阵、气势逼人、威武异常——“黑人黑马像块炭, 红人红马像团火”。演的人虎虎生气, 看的人热血沸腾, 仿佛通过尽情的宣泄来接受一场生命的洗礼, 重获新的力量。

世代相袭的社火, 在时间的长河中、在荒凉苍茫的大地上, 张扬着亘古不变、生生不息的生命力!炽热的、充满原始生命力的火种在这片土地上薪火不断、代代相传。

艺术创作感思

人对自身认识的活动被称为文化, 历史的价值就在于它包含着人类经验的价值。人类的创造活动每时每刻都不会停止, 文化的丰富性一方面验证了人的创造性, 同时必然成为推动新一代人前行的动力。

民族性格和地域风俗历来是孕育艺术灵感和艺术风格的土壤。在生命的重负下, 对幸福与欢乐的向往、对崇高力量的信仰, 映射出西北自然和人的内在的精神光芒。在生命的热情和质朴的原初本性中, 蕴涵着神秘的哲理和不可言说的深沉。如果说原始艺术以其丰富的内涵和浓厚的韵味, 于混沌中蕴涵着一切艺术的母体, 那么西北民间艺术就是有着深厚文化底蕴的宝藏。那些没有文字记载或不入经传的远古神话、传说故事、图腾图符、巫仪活动等等给现代艺术的创作提供了取之不竭的题材;原始艺术那种稚拙夸张的表现手法、奇特的造型元素, 为现代艺术探索新的艺术语言, 提供了灵感源泉;豪放不羁、天马行空的自由想象为现实主义传统注入了新的活力, 提供了艺术创作的新契机。

体会那个时代的人和那个地方的人, 感触那有血有肉的生命, 潜藏在意识深处的懵懂一次次被唤醒。远古的幽寂与现代的喧响、深沉的历史感受和缤纷眩目的现代激流、苍凉悲壮的回忆与石破天惊的幻想不断在头脑中交织、重叠……创作的激情, 终于在对西北文化的历史性观照和反思中喷薄而出。